От рекламы к музею: трансформация массового образа в поп-арте

1. Концепция
2. Исторический контекст
3. Художественные стратегии поп-арта
4. Как меняется значение образа при переходе из рекламы в музей
5. Заключение

6. Библиография
   

Визуальное исследование основано на рассмотрении того, как художники-представители поп-арта переосмысливали визуальный язык массовой культуры и создавали объекты искусства из привычных коммерческих образов. В работе рассматривается трансформация статуса и смысла единиц массовой культуры: от образов потребительской рекламы, до музейных инсталляций, обладающих новой культурной, философской и социальной ценностью. Основной темой работы становится процесс того, как изображения, объекты и даже люди, связанные с потреблением и коммерческими целями, стали символами в пространстве искусства, приобретя новое значение. Сам феномен поп-арта также важен к рассмотрению, так как является одной из главных тем художественных практик ХХ века.

Современный визуальный язык во многом строится на бесконечном потоке массовых изображений чего-либо: реклама, телевидение, товары в магазинах и их упаковка, журналы, фильмы, музыка и даже фотографии различных селебрити формируют наш визуальный мир. Вышеперечисленный «контент» так или иначе был создан как инструмент потребления, чья основная задача - привлечь внимание и остаться в инфополе аудитории. Существование этих «изображений» рассчитано на быстрое потребление, то есть восприятие, тиражируются они в огромных количествах и, как правило, не являются уникальными и осмысленными предметами художественного мира. Но вторая половина ХХ века все изменила: визуальный язык потребления вдруг стал центром искусства, и приобрел совсем иной смысл.

Представители движения использовали то, что традиционно не воспринималось как полноценная часть художественной культуры: логотипы компаний, упаковки продуктов, новостные газеты, комиксы, знаменитые лица и т. д. Сделав это, они расширили границы существования искусства, выйдя за пределы пространств и объектов, внедрив его в повседневность, знакомую каждому.

Особое значение в работе имеет тема тиражирования и повторяемости образов. Художники движения намеренно использовали печатную эстетику, машинное воспроизведение и серийность, дабы подчеркнуть связь между искусством, индустрией массовой культуры и СМИ. Повторяемость образов превращала привычные изображения в иконы того времени, одновременно демонстрируя их узнаваемость и обезличенность. В идее о безликой узнаваемости кроется главная особенность поп-арта - способность одновременно восхищаться визуальным языком массовой культуры и критически переосмыслять его.

Это исследование - попытка проследить, как именно и какими инструментами поп-арт и его последователи ломали границы искусства, переосмысливая саму суть и атрибуты «высокого». Вторая половина ХХ века крайне яркий момент в истории искусства: работы того времени доказали, что массовую культуру невозможно отделить от художественного мира, нужно лишь взглянуть на неё по-другому. Поп-арт не просто сделал коммерческий образ частью пространства - он показал, как сильно визуальный язык потребления влияет на человека, мир вокруг него, и само искусство.

Вторая мировая война принесла сильные изменения в западное общество, что стало одной из причин зарождения поп-арта. В середине ХХ века масштабы потребления, массового производства и рекламы резко возросли в США и странах Западной Европы, что привело к формированию нового визуального языка, строящегося на яркости, повторяемости и узнаваемости. Повседневность быстро наполнилась коммерцией, избежать которую было трудно: кричащие упаковки, логотипы компаний-гигантов, громкие слоганы и новая любовь к медийным личностям. Именно в этот момент в истории визуальная культура стала частью массового потребления и повседневного существования человека.

Движение возникло в конце 1950-х годов, как реакция на абстрактный экспрессионизм и элитарность модернизма. На фоне таких изменений само искусство начало переосмыслять свои границы и функции. Модернизм, а именно абстрактный экспрессионизм, стремился усложнить художественный язык, подчеркивая индивидуальность автора, а поп-арт наоборот - обращался к самому узнаваемому и массовому, делая его естественным для мира искусства. Отказавшись от границ «высокого», поп-арт стал вариантом критики абстрактного экспрессионизма, делая центром внимания повседневность человека.

Яркий пример трансформации массового образа и движения поп-арта — это произведение Энди Уорхла «Campbell’s Soup Cans», написанное в 1962 году. Серия состоит из 32 полотен, на каждом из которых изображена банка супа Campbell’s, что в середине ХХ века было одним из самых узнаваемых продуктов американской культуры потребления.

На первый взгляд кажется, что работа практически лишена какой-либо художественной обработки, более того, автор намеренно сохраняет узнаваемость, внося минимальные изменения в дизайн упаковки. В отказе от уникальности художественного произведения и кроется одна из главных идей работы.

Уорхол обращается к предмету, который ежедневно присутствовал в жизни миллионов людей, стирая границу между высоким художественным произведением и обыденностью. Создание серии в принципе связано с культурной средой послевоенной Америки, в которой массовое производство и её результаты стали неотъемлемой частью «спокойной» жизни. В этот период в истории страны участники движения впервые начали воспринимать коммерческие образы как полноценную визуальную среду человека, а не как нечто идущее врознь с искусством. Привычная всем банка супа перестает существовать как продукт потребления, и превращается в символ массовой культуры, узнаваемости и нового визуального мира.

Принцип серийности играет немаловажную роль в значении работы. Повторенная десятки раз банка супа имитирует механизмы промышленного производства и тиражирования товаров потребления. Такой подход становится не просто инструментом, а целым высказыванием о культуре потребления, убивающей уникальность вещей, и продвигающей бесконечное воспроизведение элементов массового рынка. Сам Уорхол говорил: «Я ел суп Campbell’s на протяжении 20 лет», подтверждая интерес не только к визуальной составляющей продукта, но и к его месту в повседневной жизни общества, на собственном примере.

Работа также повлияла не представления о том, что вообще есть искусство и его проявления. До появления поп-арта художественная культура и её участники старались сохранять дистанцию между «высоким и настоящим» и коммерческим искусствами. Уорхол же меняет статус и восприятие объектов потребления, перенося их в пространство галереи. В стенах музея всем знакомый продукт начинает играть совсем другими красками, воспринимаясь уже не как товар, а как художественный образ с идеей и смыслом, о которых зритель начинает задумываться.

Банки супа Уорхола - очень точный пример трансформации массового образа из товара в объект искусства и культуры. Произведение демонстрирует не просто путь «с полки в музей», а то, как поп-арт переосмысливал визуальный язык и показывал, насколько искусство второй половины ХХ века зависело от Американской культуры потребления. Энди Уорхол не просто использует коммерческий образ как художественный материал - он показывает, как именно в эпоху массовой культуры подобные предметы и их изображения формировали визуальное восприятие жизни.

Продолжением размышлений Энди Уорхола о массовой культуре и потреблении станет работа «Marilyn Diptych», написанная в том же 1962 году.

В отличии от работы с банками супа, где центром идеи стал продукт и его восприятие, в этой работе художник обратился к образу знаменитой личности - Мэрилин Монро, превратив её медийность во все тот же предмет тиражируемости и массовой культуры.

Для более точно восприятия работы стоит понимать размеры медийности Монро: полотна были созданы вскоре после её смерти, что придает еще более глубокий смысл работе, так как актриса была кумиром и секс-символом миллионов, оставив невероятный след в истории не только кино, но и искусства. Левая часть полотна полная ярких, насыщенных оттенков, в то время как правая как бы угасает, теряя четкость, становясь траурно-черной и почти исчезающей. Такой прием можно рассматривать как попытку размышлений о природе славы и узнаваемости, то есть массовости образа: знаменитый человек с одной стороны существует как культовый символ обожания, а с другой - как человек, чья личность и индивидуальность растворяется и угасает в беспрерывном потоке воспроизведения собственного изображения.

Здесь серийность и механическое повторение тоже играют важную роль. Художник использует технику шелкографии для почти промышленного воспроизведения для демонстрации связи искусства и с массовым производством медиаобразов и личностей. Повторение лица Монро превращает её из реального человека в визуальный продукт эпохи потребления и индустрии развлечений, где вскоре после её смерти «наштампуют» новый продукт.

«Диптих Мэрилин» становится примером того, как поп-арт перенес в пространство искусства не только коммерческие объекты, но и саму культуру медийности и потребления в целом. Работа показывает, что в эпоху массовой культуры даже человек становится продуктом потребления, существование которого мало чем отличается от принципов существования рекламы и товарных брендов.