Образы актеров в работах Антуана Ватто

Ватто Жан Антуан (1684-1721) - французский художник, который стал известным благодаря живописным полотнам, изображавшим таинственный мир героев, отрешенных от реальности, застывших во времени. В пространстве его картин будто живут актеры, участвующие в галантных сценах. Ватто вырос в семье необразованного ремесленника. Изначально отец художника хотел, чтобы его сын стал кровельщиком, но видя интерес мальчика к рисованию, отдал его в мастерскую художника Жерена. Однако затем отец отказался платить за обучение, что заставило Антуана Ватто пойти на смелый поступок- уйти из дома и города Валансьена, чтобы прийти в Париж. В столице у Ватто появляется интерес к французскому театру и уличными труппам, игравшим итальянские комедии, образы актеров стали появляться на его гравюрах и живописных работах. Свое искусство он отрабатывал в гравировальной мастерской Мариэтта, изображая театральные сцены.

Введение На сцене и за сценой Герои театральных вселенных Ватто Комедия Италии и Франции Вывод

Я рассмотрю картины, где актеры представлены на сцене, за сценой, а также в мире грез, напоминающем спектакль. В данной работе я бы хотела проследить, какие визуальные образы актеров составляет Ватто, как изображает актеров в разном окружении, с помощью каких приемов создает театральный мир, наполненный таинственностью и отрешенностью.

В отличие от своих учителей, Мариэтта и Жерена, художник не застал последних лет официально выступавшего итальянского театра перед тем, как он был выгнан из Франции при Людовике XIV [1]. Вследствие этого королем был утвержден новый французский театр. Однако Ватто вдохновлялся парижской жизнью, ведь на улицах все еще оставались неофициальные ярмарочные представления, закрытие итальянского театра только увеличило интерес к этому феномену. Итальянский театр стал неотъемлемой составляющей культурной жизни французского общества, образы из комедий укоренились в культурном контексте рококо и французского общества в целом.

Итальянская комедия Дель Арте- это вид итальянского народного театра, возникшего в 16 веке, но определение данного направления возникло только в 18 веке. Представление строилось на импровизации с опорой на сценарий, актеры, игравшие роли, носили маски. Обычно история строилась на конфликте между влюбленными и стариками, которые не позволяли влюбленным быть вместе. Важную роль в произведении играли слуги, которые помогали или мешали господам [2].

Господа: Капитано- испанский солдат, прелюбодей. Обладает деревянной шпагой, которую он никогда не использует, потому что трусливо убегает от опасностей. Дотторе- пожилой доктор, пародия на хвастливого и глупого ученого. Он носит черный плащ и черную маску, обладатель грузной комплекции. Панталоне- пожилой жадный венецианский купец. Часто изображался с красным колпаком, в плаще и в маске с густыми бровями и усами. Борода героя длинная и загнута наверх.

Слуги (дзанни): Арлекино- хитрый слуга, который обладал вредным характером. Для его образа характерен костюм из ткани с рисунком из ромбов, который символизировал заплатки. Также он имел деревянный меч, который говорил о безрассудстве героя. Педролино ( прототип Пьеро)- доверчивый слуга, который попадал в жизненные перипетии. Носил белые свободные одежды с большими пуговицам, остроконечную шляпу. Его лицо было обсыпано мукой. Бригелла- интриган, который поддерживал влюбленных. Он носил черную маску, белые длинные панталоны, белую куртку, и кинжал на поясе, костюм украшался зелеными полосами [2]. Пульчинелла- представитель крестьян. Образ состоял из белой свободной одежды, остроконечной шляпы, маски с клювовидным носом, он имел полную фигуру [3]. Коломбина- влюблённая служанка. Она помогает своей госпоже, может манипулировать другими героями. Коломбина - один из главных участников любовной интриги, её возлюбленный- Арлекино. В нее безответно влюблен Пьеро, над которым она часто смеется . Изабелла- входит в класс влюблённых. Героиня борется за свою любовь, для ее фигуры характерен драматизм. Вокруг ее любовной линии строятся козни стариков, но она преодолевает все испытания и остается с возлюбленным.

Картина с классическими участниками комедии Дель Арте, где изображены многие мсаки - от Капитано до Изабеллы, герои одеты в характерные костюмы. Посередине композиции - Жиль. Он выделяется белоснежным цветом объемных одежд, позой, его фигура освещена сильнее, внимание окружающих героев устремлено на него. В его выражении лица чувствуется тоска, свойственная персонажу, однако за этим проступают настоящие эмоции актёра. В его позе заметна усталость после долгого выступления, благодаря чему он воспринимается не только как маска Жиля, но и как человек, которого мы понимаем.

Возможно, на картине запечатлен момент выхода героев к зрителю после представления. Фигуры Арлекина и Пьеро противопоставляются. Поза Пьеро статична, руки вытянуты вдоль тела, голова слегка повернута. Его лицо меланхолично и спокойно, но он смотрит прямо на зрителя- здесь есть намек на психологический портрет. Арлекин же запечатлен в динамичном движении с изгибом тела и изогнутыми руками, но это не делает его живой личностью, ведь за черной маской с черными глазами не видно человеческого лица. Темная маска, контрастирующая с белой рубашкой Пьеро, усиливает антитезу двух персонажей.

На полотне запечатлено общение Арлекина с Коломбиной. Жест девушки можно трактовать как знак любви, на ее лице видны искренние эмоции, переживание, она смотрит прямо на Арлекина. Противоположностью выступает маска Арлекина: на черной злобно улыбающейся маске не видно настоящих эмоций, за его образом не виден реальный человек, поднятая вверх рука будто угрожает или зачаровывает девушку.

На картине отсутствует действие со стороны главного персонажа. Центральный герой написан во всю длину полотна. Симметричное расположение масштабной фигуры в геометрическом центре картины скорее характерно для рекламного плаката к спектаклю. Время на переднем плане работы останавливается, герой застывает в пространстве, все движение остается за спиной Жиля. Тело Жиля прячется за белоснежными одеждами, которые будто отделяют его от внешнего мира. Одежды его прописаны детально, художник передает материальность бархата и атласа. Лицо актера неподвижно, его наполняет грусть и растерянность. В данной работе сложно начертить границу, где личность актера переходит в его роль. Жиль показывает себя абсолютно честно, открыто, без страха, таким какой он есть. Актер отдельно ото всех стоит на подиуме, он будто выходит на суд к зрителю без маски, будто ищет принятия. Другие персонажи отвернулись от него, между ними нет взаимодействия, Жиль общается взглядом только со зрителем, что делает этот контакт эмоциональным.

В работах Ватто наиболее заметно закрепление визуальных образов Жиля ( Пьеро) и Арлекина, что видно через их внешние атрибуты и через усиление эмоциональной окраски, характерной для каждого персонажа.

Эта работа соединяет портретирование (не характерное для произведений Ватто) в сочетании с ролевыми характеристиками актеров. Герои картины образуют групповой портрет, они уже не играют на сцене, но на их лицах еще держится след играемой роли. Автор пишет портреты не только комедиантов, он видит в них людей с их особенностями. Пожилой человек справа -актер Ла Торильер [5]. Вероятно, Ла Торильер исполнял роль Панталоне ( пожилой возраст, плащ-накидка). Ватто использует этот образ и в другой работе- «Любовь на итальянской сцене», там герой изображен в похожей позе, с тростью и маской с изогнутым носом. Слева- актриса Кристина Демар [5], которая выступала в французском театре. Ее одежды соответствуют польской моде, в руке она держит маленькую черную маску, что намекает на исполнение роли Коломбины. Мужчина в большом берете- Филипп Пуассон [5], также актер французского театра, его головной убор, воротник раф говорят о роли Меццетена ( вариация роли Арлекина). В его лице читается коварство и хитрость, присущие персонажу. В центре композиции изображена юная девушка, чье платье имеет полосатый узор. Арапчонок обычно исполнял роль слуги. В картине нет праздничности сцены, закулисная жизнь представляется простой и неприукрашенной. Вместо группового портрета, которым ее замыслил Ватто, картина со временем стала восприниматься как бытовая сцена из жизни театра.

Картины этого раздела основаны на пасторальных сюжетах и идеализации светской жизни. Эти произведения изображают утончённые сцены из жизни аристократии- прогулки, танцы, игры и любовные игры- на лоне природы, пронизанные лиризмом, лёгкой грустью и иронией. Общая идеализация момента и создаёт ощущение фантазийного постановочного мира.

Для декораций спектаклей, исполняемых на сцене того времени, были характерны: чёткое разделение планов, кулисное обрамление сцены, пасторальные пейзажи на фоне. Ватто трансформирует эти признаки в окружающее пространство, которое уже не является сценой, за счет чего актеры перестают быть работниками театра, они будто становятся жителями вселенных Ватто.

В работе «Венецианский праздник» декорации сцены сменяются на живописные пейзажи природы. Перед зрителем предстают влюбленные, задумчивые и пылкие пары, сидящие в гармоничной линии вдоль всей картины, кажется, они находятся в гармонии с природой. Актер в тюрбане и плаще спрятан в тени, он выглядит как таинственный странник из другой страны, пришедший на карнавал. В центре картины мы видим выделенную светом фигуру девушки, она встречает гостя. Героиня одета в платье из серебристой переливающейся ткани, блики играют светом на парче, что делает ее образ воздушным и светлым, особенно на контрасте с фигурой, спрятанной в тени.