Музыка в видеоиграх. Музыка как отдельный объект существования

Видеоигра, как синтетическая и тотальная форма искусства, представляет собой сложную связь взаимодействующих систем: технической реализации, геймдизайна, визуального ряда, повествования и, что принципиально важно, звукового ландшафта. Долгое время музыка в играх воспринималась исключительно как служебный, вспомогательный элемент, призванный усиливать эмоциональное воздействие игрового процесса, создавать атмосферу или ритмически организовывать действие. Она существовала в сознании аудитории как неотъемлемая, но подчиненная часть целого, как сопровождение, фон, зависимый от контекста конкретной локации, момента или сюжетной точки, и делила такое же общественное мнение о репутации видеоигры: несерьёзность, сделанное чисто для детей и безразличное отношение от представителей художественного искусства.

Однако музыка в видеоиграх на протяжении последних десятилетий перестала быть лишь фоновым саундтреком интерактивного действия. Она превратилась в самостоятельный художественный феномен, обладающий собственным языком, структурой и выразительностью, которая существует как внутри игрового пространства, так и за его пределами. Сегодня саундтрек, изначально созданный для конкретной игры, способен жить отдельной жизнью: исполняться на концертах, становиться объектом коллекционирования на виниле, цитироваться в других медиа, а порой и формировать культурные тренды. Такое вне «игровое» существование музыки позволяет рассматривать её не просто как часть производственного продукта, а как полноценный самостоятельный объект искусства с собственной динамикой восприятия.

Цель данного визуального исследования - анализ феномена «выхода музыки за пределы игры», как музыка, созданная для видеоигры, существует одновременно внутри и вне игрового медиума, как она взаимодействует с визуальными образами и какие формы автономного существования приобретает. Доказать, что видеоигровая музыка — это уникальное искусство, взаимодействующее с аудиторией напрямую, вдохновляющее новых авторов и продолжающее жить, трансформируясь в чужих руках, становясь частью общего мира визуального искусства, которое не зависит от начальной игры.

Для понимания базы мы рассмотрим фактический функционал музыки в играх и почему она является неотъемлемым элементом игрового процесса, её историческую эволюцию, связанную с техническими преградами и с технологическим развитием и перейдём к тому, как культурный сдвиг стал закономерностью в мире игровой музыки и какими способами саундтрек выходит на первую позицию в формировании игры как исторического наследия.

Видеоигры — это интерактивные цифровые игры, в которых игрок управляет персонажами или объектами на экране с помощью устройств ввода по типу клавиатуры, мыши, геймпада и т.д. У них есть несколько жанров от экшен-платформеров и шутеров от первого лица до ролевых игр и головоломок. Игры создают увлекательный и уникальный опыт, сочетая визуальные, звуковые и иногда сюжетные элементы.

Основные аспекты видеоигр:

• Геймплей
• Сюжет
• Техническое исполнение
• Графика
• Звук и музыка

Музыка и звук имеют несколько ключевых функций.

1. Эмоциональная функция Музыка формирует и управляет эмоциональным фоном игрового пространства. Она способна мгновенно задавать тон сцены: ощущение опасности, спокойствия, меланхолии, таинственности и др., а также способна ловко регулировать их интенсивность. Она работает подсознательно, но её всегда можно прочувствовать.

2. Нарративная функция Музыка помогает создать достоверность мира - стилизация под культуру игрового пространства делает игровые сцены самодостаточными и реалистичными. Также она часто использует лейтмотивы — музыкальные темы, закреплённые за персонажами, локациями или идеями, укрепляя тем самым ассоциации мелодий с конкретными событиями. И музыка также является хорошим инструментом поддержки сюжета, используя музыкальные переходы. Изменение музыкального материала помогает создавать плавность повествования и ритмическую связанность игры.

3. Геймплейная функция Главная изюминка музыки из видеоигр - интерактивность и адаптивность. Она изменяется в зависимости от действий игрока или игровых событий и тем самым становится частью геймплейных механик. Она может служить невидимой частью интерфейса ориентируя игрока в пространстве с помощью звуковых сигналов, музыкальных акцентов или сменой гармонии. Также в некоторых играх, где ритм является основой механик, музыка может быть центральным элементом игрового процесса, но даже и в обычных видеоиграх ритмичность влияет на ощущение скорости или опасности в геймплее.

Ранние этапы (конец 1970-х — 1980-е)

Видеоигры как одна из форм развлечения начали появляться в виде аркадных автоматов, а музыка в аналоговой форме записывалась на физический носитель, по типу, кассет и грампластинок. Более простым и дешёвым способом включения музыки в видеоигру было использование цифрового сигнала, однако создание звука таким образом сопровождалось системными ограничениями: ограниченное количество каналов, примитивные звуковые чипы и небольшой объём памяти. Создание музыки представляла собой сложный процесс низкоуровневого программирования, что делало её не отдельным произведением, а лишь частью программного кода. Первые аркадные игры, вроде Pong или Magnavox Odyssey, содержали только звуковые эффекты, примитивные тоны, синусоиды и шумы, что не очень входит в обычное наше понимание музыки.

Первые композиторы той эпохи фактически работали как инженеры а не художники, так как "вписывали" музыку в память размером в килобайты. Однако какой бы не была примитивная эта музыка, она запоминалась и легко повторялась. Это сделало музыку неотделимой частью игрового опыта, которая участвовала в создании идентичности игры.

С развитием индустрии видеоигр, на свет стали появляться домашние игровые консоли. Каждое новое поколение улучшало свои звуковые подсистемы, тем самым добавляя больше независимых аудио каналов с разными видами волн. В этот период появились такие игры как Super Mario Bros, The Legend of Zelda, Final Fantasy и Tetris. Их музыкальные сопровождения получили культовый статус и узнаваемы во всем мире и по сей день. Музыка стала частью бренда видеоигры.

Переходный период (1980-е — 1990-е)

Параллельно с технологиями консолей развивались и технологии цифровой музыки. На свет появился революционный интерфейс MIDI для музыкальных инструментов, а также был введён единый стандарт General MIDI дабы унифицировать звуковые карты и дать надёжность разработчикам и композиторам в том, как будет звучать игровая музыка на устройствах пользователей. Наглядно возможности технологии продемонстрировали игры, такие как «DOOM» и «HERETIC», саундтреки которых также приобрели культовый статус.

Музыка стала динамичной и качественнее - значительно повысилась полифония, звуковые эффекты стали разнообразнее, а итоговые композиции были длиннее и сложнее. Это привело к признанию звука, как отдельного самостоятельного элемента, чем просто сопровождение к графике и геймплею. Теперь разработчики начали целенаправленно думать над созданием саундтреков.

Технологический скачок (1990-е — 2000-е)

Следующая технологическая революция произошла при переходе с дискет на CD и появлении формата Redbook Audio, это позволило хранить аудиофайлы, а значит — записанную «живую» музыку. Больше не нужно было экономить килобайты — композиторы могли записывать музыку в студийном качестве и создавать реалистичный звук. В этот период выходит Final Fantasy VII, саундтрек которой отличается сложными аранжировками и качественными семплами, и также имеет культовый статус и считается одним из величайших в истории видеоигр.

Параллельно развиваются аудио-движки и ещё одна ключевая технология — динамическая аудиосистема, которая меняет музыку в зависимости от действий игрока и геймплейных событий в реальном времени. Музыка плавно переходила между темами, изменяла аранжировку в реальном времени и подстраивалась под состояние героя или локации, а композиторы могли легко и самостоятельно настраивать взаимодействие музыки, не тревожа программистов.

Развитие технологий постепенно сняло технические ограничения, позволяя создавать всё более сложные структуры и давая большую свободу композиторам для художественных экспериментов. Качество музыкального сопровождения повышалось - стили становились сложнее, ввелись оркестровые инструменты, запись проводилась в профессиональных студиях, на создание композиций приглашались более известные музыканты, а длина саундтреков увеличивалась. Игровая музыка перестаёт быть нишевым ремеслом и постепенно становится самостоятельным, полноценно реализованным, художественным компонентом, который приближается по качеству к кинематографическому сопровождению.

Наше время (2000-е - сегодня)

Кроме технологического развития индустрия видеоигр получила и экономическое, это позволило нанимать на создание саундтреков целые симфонические коллективы и оркестры. Музыка продолжала эмоционально развиваться и всё больше встраивалась в сюжет и ритм игр. Одни из примеров видеоигр с масштабными саундтреками - Final Fantasy X, God of War и Shadow of the Colossus.

Также экономический рост позволил индустрии использовать в играх лицензированные треки. Это привнесло новые способы влияния на атмосферу и ощущения реальности, связывая игры к существующей поп-культуре, а также неплохо участвовало в брендировании игр. Например серии игр Grand Theft Auto и Mafia строят атмосферу городов через реальные радиостанции с известной музыкой того времени, а конкретная часть GTA: Vice City смогла вернуть популярность хитов 80-х.

Развитие игровой музыки продолжается, и становится наравне с киномузыкой, но имеет ключевую разницу - она гибкая и динамически реагирующая на события. Прогресс аудиокарт и технологий открывает новые возможности для создания музыкальных сопровождений, а также открывает новые двери в мир игровой музыки. Выпускаются специализированные цифровые обеспечения - DAW, которые превращают персональный компьютер в целую студию звукозаписи, и где можно записывать даже оркестровые симфонии. Порог вхождения в игровую индустрию стал значительно ниже во всех аспектах, в том числе и музыкальном, и всё чаще появляются одинокие разработчики, без многомиллионных бюджетов и горящие одним лишь энтузиазмом. А музыка, за всё время присутствия в индустрии видеоигр, кардинально изменилась в формате и смогла приобрести статус отдельного художественного существования.

В некоторых играх музыка это не сопровождение, а целое правило и каркас, на котором строится весь игровой процесс. Чтобы играть в такие игры, вам обязательно нужно слушать, так как здесь ритм определяет время действий, а структура музыки формирует логику уровней. Однако даже с учётом того, что здесь музыка определяет игру, пользователи, которые в том или ином виде не могут слушать аудиосопровождение, всё равно смогут попробовать и может даже пройти такие игры, благодаря визуальному дизайну, который выступает как поддерживающее звено. Эти игры объединяют в один жанр - ритм-игры.

Классический пример таких игр, это когда от игрока требуется совершить определённое действие в такт музыки, по типу нажатие клавиши на мышке и клавиатуре или движение нужной части тела перед камерой приставки. В таких играх изображение подчёркивает ритм: вспышки, линии, всплывающие элементы синхронизированы с битом. Одни из популярных игр этого жанра - Dance Dance Revolution, Guitar Hero / Rock Band, Osu!, Rhythm Heaven.