Мотив смерти в живописи XVIII века

Смерть - неизбежный итог жизни всего на планете. С тех пор, когда человек осознал это, он пытался понять её смысл и причины. Даже самые ранние наскальные рисунки посвящены сценам гибели. Несмотря на это, тема смерти остается и останется актуальной, так как имеет для каждого разный смысл и уникальное значение. Восприятие человеком этого процесса варьируется от воспитания, культуры, личного опыта и временного периода, когда для природы смерть - лишь часть жизненного цикла. Поэтому важно рассмотреть эту тему со всех возможных сторон. Тема "Мотив смерти в живописи XVIII века" была выбрана мной так как особенно близка и интересна мне, а также, как мне кажется, она не была достаточно раскрыта ранее. Выбранный период времени во многом является переходным, что представляет огромный интерес для изучения. Различие стилей, популярных в XVIII веке (барокко, рококо, романтизм), жанров, вариативность сюжета и композиционных решений создают художественную палитру эпохи, где каждый художник мог выразить индивидуальное видение, эмоциональное настроение и философскую идею через форму, цвет и композицию.

Принцип отбора материала для визуального исследования заключается в его разнообразии. Для меня было важным подобрать разные по стилю, жанру, композиции, смыслу и сюжету произведения, которых объединяет мотив смерти. Это помогает провести глубокий анализ темы и показать ее многогранность.

Текстовые источники были выбраны мной по принципу схожести раскрываемой в них темы с темой моего визуального исследования. Это помогло узнать и проанализировать уже существующие данные и выводы по интересующим меня вопросам.

Визуальное исследование состоит из четырех тематических разделов: религиозные сюжеты, ванитас, социальность и быт, историческая живопись. Такая последовательность выбрана, чтобы показать развитие восприятия смерти в разных контекстах: от духовного и символического (религиозные сюжеты, ванитас) к более личному и социальному (бытовые сцены, историческая живопись). Это позволяет проследить, как художники XVIII века интерпретировали смерть через разные подходы — от богословского и философского к повседневному и историческому, демонстрируя её многогранность и влияние культурного и социального контекста.

Обе представленные картины Джованни Батиста Тьеполо рассказывают о мученичествах святых. В основе картины «Мученичество святого Варфоломея» лежит предание о том, как апостола Варфоломея схватили и казнили, содрав кожу, за проповедь христианства. «Мученичество святой Агаты» — Святая Агата, отвергнув домогательства наместника и оставшись верной христианской вере, была подвергнута пыткам, включая неистовое отрезание груди. Оба героя в последние моменты жизни поднимают свой взор в небо, обращаясь к Богу, на что также указывают жесты их рук. Но несмотря на все схожести, картины написаны совершенно по-разному. В картине 1722 года Тьеполо создает четкий контраст с помощью яркого света с небес, отделяющий фигуру Варфоломея от головорезов и темного, мрачного фона. Поза апостола напряженная, а взгляд отчаянный. Эти факторы позволяют отнести картину к позднему барокко. Картина раскрывает смерть как трагичное событие. На картине 1755 года прослеживаются отличительные черты рококо: сдержанная палитра цветов, легкая и воздушная манера письма, поза Агаты не напряженная, взгляд скорее передает просьбу, чем отчаяние. Мотив смерти на этой картине раскрывается скорее как нечто печальное и пугающее.

Смерть святого Иосифа изображалась творцами множество раз, что позволяет наглядно отследить тенденции в искусстве разных веков. В XVIII веке, не смотря на оставшуюся театральность, сцена гибели святого Иосифа стала изображаться более чувственно, чем ранее. Также заметны и стилистические изменения. На картинах Франсиско Гойи зритель видит нежные оттенки цветов и мягкий, легкий штрих, говорящие о популярном в конце XVIII века стиле рококо.

Ванитас ассоциируется с мотивом смерти, так как через символику хрупких и скоропреходящих вещей напоминает о бренности жизни и неизбежности смерти. В живописи XVIII века он становится менее мрачным, чем ранее, уходит от частого изображения черепов. Он также становится более созерцательным: художники показывают бренность мира не устрашением, а тихим, почти поэтичным осознанием хрупкости жизни[2].

Мыльный Пузырь в традиционной эмблематике ванитас - метафора хрупкости и мимолетности жизни. Он яркий и красивый, но существует лишь мгновение, затем лопается. В отличие от нравоучительного и строгого характера ванитаса XVII века [2], что видно на картине Симона Ренара де Сен-Андре, Шарден раскрывает более бытовую сцену, где юноша выдувает мыльный пузырь. Сдержанная палитра цветов и некая мягкость деталей помогают раскрыть это. Посыл становится более наблюдательным и человечным.

Увядание цветов в ванитасе символизирует бренность жизни и неизбежность смерти, напоминая о скоротечности красоты и земных удовольствий. На первый взгляд цветы могут показаться свежими, но, глядя на них дольше, становится понятно, что некоторые из них уже начали вянуть. Живописцы выстраивают композицию так, чтобы первым делом зритель видел нежный натюрморт живых цветов, лишь потом замечая мотив гибели. В центре и более сгруппировано находятся живые, светлые и яркие цветы, но ближе к краям и по отдельности находятся сухие и вянущие. Смерть раскрывается как нечто неизбежное, но не всегда заметное.

XVIII век привнес в искусство большие изменения. В центр внимания стали чаще ставиться человеческие чувства и переживания, бытовые и повседневные сцены. Это безусловно отразилось на восприятии и изображении смерти.

Грёз показывает бытовую и печальную сцену. Девушка, склонив голову к руке, со скорбью смотрит на мертвую канарейку. Смерть раскрывается не со стороны трагизма, а со стороны эмоций и внутреннего мира героини. Зритель будто переживает эту потерю вместе с девушкой. Чтобы добиться этого эффекта автор создает композиционный треугольник, к которому прикован взгляд зрителя.